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Künstler, die Verkleidungsdefinitionen malen

In der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts verwendeten Künstler ein komplexes visuelles System, um Alltagsgegenständen einen symbolischen Wert zuzuweisen, in einer Art visueller Abkürzung für längere moralische Konzepte und Erzählungen. In diesem Artikel wird die Übernahme der getarnten symbolischen Ikonographie in der Fernsehserie Mad Men untersucht. Der Artikel konzentriert sich auf bestimmte Objekte - den Spiegel, die Uhr, das Ei und die Auster -, die im Laufe der Zeit aufgrund kunsthistorischer Traditionen und der Erfahrungen ihrer kollektiven Betrachter Bedeutung erlangt und angesammelt haben.

Der Artikel wird argumentieren, dass die Art und Weise, wie diese Objekte sowohl in der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts als auch in Mad Men verwendet wurden, die Betrachtung von Moral, Sterblichkeit und Materialismus fördert. Abbildung 1: Matthew Weiner ist eine Fernsehserie, in der Stil und visuelle Ästhetik regelmäßig gelobt werden, um sowohl die Tiefe der fiktiven Erzählung zu verbessern als auch zur historischen Authentizität des Programms beizutragen.

Zum Beispiel hat Jim Hansen überzeugend über die Bedeutung von Erscheinungen und die zu entpackenden Bedeutungsebenen im Hinblick auf das körperliche Bild von Don Draper Hansen 2013, 145-160, gestritten.

Für Kunsthistoriker ist es jedoch eine vertraute Praxis, das Erscheinungsbild von Objekten als Mittel zu interpretieren, um tiefere Bedeutungen zu enthüllen und eine Offenbarungserfahrung für den Betrachter zu schaffen. In diesem Artikel wird die Verwendung der verschleierten symbolischen Ikonographie in Mad Men anhand der Tradition der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts als Vergleich untersucht. Das häufige Einfügen von historisch symbolischen Gegenständen wie dem Spiegel, der Uhr, dem Ei und der Auster fördert die Betrachtung von Moral, Sterblichkeit und Materialismus.

Die Grundprinzipien der Semiotik sind wesentlich, um einen Vergleich zwischen der Verwendung symbolischer Objekte sowohl in Mad Men als auch in der niederländischen Malerei zu ziehen. Eine vereinfachte semiotische Herangehensweise an das Thema würde argumentieren, dass gemalte oder bewegte Bilder Zeichen sind, dass Zeichen dazu bestimmt sind, etwas über sich selbst hinaus darzustellen, und dass ein inhärenter Teil der menschlichen Erfahrung darin besteht, die Zeichen zu interpretieren, denen wir in unserem täglichen Leben begegnen. Das Erstellen eines Bildes ist das Anordnen kompositorischer Elemente, um Bedeutung zu vermitteln. und der Akt des Betrachtens eines Bildes ist ein Akt des Übersetzens und Entschlüsselns solcher Elemente, um Bedeutung zu erzeugen.

Daher enthalten Darstellungen von Objekten - ob in einem Gemälde oder in einem Fernsehprogramm dargestellt - immer Schichten von potenzieller Bedeutung und symbolischem Wert. In seinem einflussreichen Text Ways of Seeing argumentiert der Kunsthistoriker John Berger, dass Bilder im Laufe der Zeit Bedeutung erlangen und ansammeln, basierend auf den Erfahrungen ihrer kollektiven Betrachter in der Vergangenheit.

Der Grund dafür, dass bestimmte historische Bilder uns heute noch eine bestimmte Symbolik oder Bedeutung vermitteln können, liegt darin, dass unsere gegenwärtigen Erfahrungen nicht ganz anders sind als die der Personen, die die fraglichen Bilder zuerst gemacht und angesehen haben. Berger, J.

Die Madison Avenue in der Mitte des 20. Jahrhunderts unterschied sich in vielerlei Hinsicht nicht so sehr vom Antwerpener Stadtteil Grote Markt im 17. Jahrhundert. Im Laufe der letzten hundert Jahre war Europa sozial und wirtschaftlich modernisiert worden, und die Niederlande hatten während der Renaissance Snyder 2004, 433, proportional viel mehr als jedes andere Gebiet des Kontinents finanziell profitiert.

Bessere Transportmittel führten dort zu einer massiven Zunahme von Handel, Reich, Ressourcen und Urbanisierung. Diese Faktoren führten zu einer Verschiebung der Vermögensverteilung, da das Aufblühen des Handels den sozialen und materiellen Status von Kaufleuten, Bankiers und Dienstleistungsunternehmen erhöhte und eine echte Mittelschicht hervorbrachte, die in der Lage war, das Vermögen zu konsumieren und zu bevormunden Kunst.

Unter diesen verschiedenen Bevölkerungsschichten war der neue Zustrom von materiellem Reichtum trotz der Äußerungen der Besorgnis über die Sünden der Völlerei und Gier leicht zu erkennen. Schama 1987, 3-15. Kunst selbst wurde zu einer Ware, die von einigen als Investition, von anderen als angenehme Dekoration für immer größere Häuser behandelt wurde. Alpers 1983, xxii. Abbildung 2: Simon Luttichuys, Vanitas c. In diesem Zusammenhang wurde der getarnte Symbolismus in den Gemälden dieser Zeit von zunehmendem materiellen Reichtum in Verbindung mit christlicher Schuld am Überfluss hervorgehoben.

Wie von Erwin Panofsky beschrieben, war die getarnte Symbolik ein komplexes visuelles System, das jedoch von einem breiten Publikum verstanden wurde. Künstler, die diese Strategie anwenden, haben Alltagsgegenständen einen symbolischen Wert zugewiesen, in einer Art visueller Abkürzung für längere moralische und historische Konzepte und Erzählungen Panofsky 1953, 131-148.

1984 argumentierte der Kunsthistoriker Ivan Gaskell überzeugend, dass es bei der Einbeziehung der getarnten Symbolik letztendlich um den Wunsch geht, die Wahrheit zu enthüllen. Der Begriff des Gleichgewichts, der für die Entstehung der getarnten Symbolik in der Malerei des 17. Jahrhunderts von wesentlicher Bedeutung war, war auch in Amerika nach dem Zweiten Weltkrieg von Bedeutung, als der Konsumkonflikt erneut seinen Kopf hob.

Dann erlebten die Vereinigten Staaten eine extreme wirtschaftliche Expansion, die eine wachsende Werbebranche mit ihrem Machtort in der Madison Avenue in Manhattan befeuerte - und teilweise befeuerte. Zahlreiche Arbeitsplätze, höhere Löhne und bessere Bildungschancen führten zu einem raschen Wachstum der Mittelschicht und einem wachsenden Markt für alles, von verarbeiteten Lebensmitteln über Kühlschränke, Autos bis hin zu einem Haus in den Vororten.

Dennoch waren viele Amerikaner mit solch neu gefundenem Reichtum und steigendem Konsum unzufrieden. Laut der Historikerin Elaine Tyler May wurzelte die Befürchtung, dass Ausgaben zu Dekadenz führen würden, in einem langjährigen Sinn für Pragmatismus und christliche Moral, der Luxus und Opulenz skeptisch gegenüberstand.

Die Unternehmensausgaben für Werbung verdoppelten sich in den zehn Jahren unmittelbar nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs und verdoppelten sich dann innerhalb der nächsten fünf Jahre erneut. Vatter und Walker 1996, 129. Als der Markt gesättigt wurde und die Verbraucher im Laufe der Zeit jünger und versierter wurden In den 1960er Jahren war ein kreativer Ansatz erforderlich, der die Amerikaner weiterhin anziehen und beeinflussen sollte.

Witz und Humor, Erzählung und Persönlichkeit flossen in die Werbung ein und definierten auf subtile Weise nicht nur die verkauften Produkte, sondern auch die Werbebranche selbst. Immer mehr Amerikaner begannen, den Handel mit Modernität, Jugend und Hüfte zu verbinden, zusätzlich zu seinen traditionellen Konnotationen von Reichtum, Luxus und Genuss Meyers 1984, 122; Frank 1997, 132 & ndash; 167. Obwohl es in Mad Men viele Fälle von potenziell getarnter Symbolik gibt, konzentriert sich dieser Artikel auf vier Symbole - den Spiegel, die Uhr, das Ei und die Auster -, die im 17. Jahrhundert von besonderer Bedeutung waren und deren historische Die Symbolik kommt besonders gut in den Handlungssträngen der 1960er Jahre zum Ausdruck, die Weiner konstruiert.

Don versucht eine neue Werbestrategie für Lucky Strike-Zigaretten zu entwickeln und fragt den Barmann nach seinen Rauchgewohnheiten. Unabhängig davon, ob die Raucher die gefährliche Natur ihrer Gewohnheit nicht kennen oder sich einfach nicht damit auseinandersetzen wollen, wird der Betrachter in die Position eines allwissenden Beobachters der Wahrheit versetzt, der in die Realität und Selbsttäuschung in der Szene eingeweiht ist Gleichgewicht zwischen den Freuden der physischen Welt und ihrer möglichen Beziehung zum Tod.

Sogar ein gelegentlicher Beobachter könnte die symbolischen Möglichkeiten, die ein Spiegel besitzt, und ihre möglichen Anwendungen in Mad Men erkennen. Die Tatsache, dass das Bild, das im Spiegel erscheint, zeitlicher Natur ist und sich ändern oder ganz verschwinden kann, wenn sich das Subjekt selbst bewegt oder verschwindet, fügt dem Spiegel eine weitere Bedeutungsebene hinzu, die auf die vorübergehende Natur des Selbstbewusstseins, wenn nicht des Lebens hinweist selbst.

In der getarnten Symbolik des 17. Jahrhunderts wurde dieses Objekt verwendet, um die Unbeständigkeit von Jugend, Schönheit und irdischen Freuden sowie die Dummheit, die Täuschung bei der Bewertung solcher kurzlebigen Dinge zu suggerieren. Beim Betrachten von Mad Men nimmt der Betrachter häufig eine ähnliche Position ein wie ein Zuschauer einer solchen niederländischen Genreszene des 17. Jahrhunderts.

Im vorigen Jahrhundert hatte sich eine faszinierende neue künstlerische Konvention entwickelt: In dieser Zusammenstellung ist auch ein Spiegel enthalten, der zeigt, dass der symbolische Wert dieses Objekts mit dem der anderen übereinstimmt.

In der Tat spiegelt es die Rückseite des Schädels wider, was darauf hindeutet, dass der Spiegel, obwohl wir uns häufig aus oberflächlichen Gründen dem Spiegel zuwenden, um unsere vergeblichen Impulse zu sättigen, tatsächlich die flüchtige Natur von Jugend und Schönheit offenbaren und stattdessen das wahre Ende demonstrieren kann das erwartet alle Dinge dieser Welt. Neben dem Schädel erscheint ein weiteres Objekt im Spiegel: Diese Aufnahme lädt den Betrachter ein, das Gemälde nicht nur mit einem Spiegelbild der Wahrheit zu identifizieren, sondern sich persönlich mit dem Künstler, dem allwissenden Sinnbildner, zu identifizieren, indem er die Szene von seinem Standpunkt aus betrachtet of view Stoichita 1997, 186-197.

Die Einladung, einen Moment in der Zeit von diesem Standpunkt aus zu erleben - von dem aus wir sowohl ein Objekt als auch dessen Reflexion, Wahrnehmung und Wahrheit sehen und unsere eigenen Schlussfolgerungen über den Unterschied zwischen beiden ziehen können -, wird auch auf die Betrachter ausgedehnt Verrückte Männer. Abbildung 3: Abbildung 4: Die Episode beginnt mit den drei weiblichen Hauptfiguren - Betty, Joan und Peggy -, die sich in Schlafzimmerspiegeln widerspiegeln, während sie Unterwäsche anziehen.

Dieses Szenario entsteht, wenn Pete in die Wohnung zurückkehrt, die er mit seiner Frau teilt, nachdem er sich mit einem potenziellen Playtex-BH-Modell angefreundet hat, das immer noch zu Hause bei ihrer Mutter lebt. Pete schleicht sich in ein abgedunkeltes Haus, stellt seine Aktentasche ab und erhascht einen Blick auf sich selbst im Flurspiegel. Nachdem er sich einen Moment in die Augen geschaut hatte, lächelte er leicht und selbstgefällig und schaute weg. Vielleicht genoss er seine neu entdeckte Selbstwahrnehmung, während er die offensichtlich schelmischen Dimensionen seines Charakters ignorierte.

In all diesen Fällen hat der Spiegel seine Hauptfunktion und dient als reflektierende Oberfläche, auf der diejenigen, die vor ihm stehen, sehen können, was sie sehen möchten - eine schmeichelhafte Version ihrer selbst, die dennoch aus flüchtigen Eigenschaften wie der Jugend besteht , Schönheit und sexuelle Begehrlichkeit. Später in der Folge übernimmt der Spiegel seine zweite Funktion und enthüllt dem allwissenden Betrachter sowohl die oberflächliche Reflexion als auch die oft unangenehme Wahrheit darüber, was oder wer auf seiner Oberfläche gezeigt wird.

Zum Beispiel trifft Don in der Mitte der Episode Bobbi Barrett in ihrem Hotelzimmer, wo sie zwei Gläser Champagner vor einen Spiegel gießt. Sie küssen sich und wenden sich ab, während der Betrachter weiterhin ihre lustvolle Umarmung im Spiegel beobachtet. Obwohl das Paar an der Oberfläche sicherlich attraktiv und begehrenswert ist, sieht der Betrachter im Spiegel zwei Personen, die ihre Eheversprechen verletzen, als sie auf das Bett zugehen, das im Schatten liegt. Abbildung 5: In der letzten Szene der Episode wird der Austausch mit Bobbi in gewisser Weise wiederholt, während der Betrachter sieht, wie Don sich vor einem Spiegel rasiert.

Er bleibt stehen, um sie anzusehen, und dann zurück zu sich selbst im Spiegel. Er ist sichtlich erschüttert und kann seine Pflege nicht fortsetzen, indem er sich zuerst in die Augen schaut und dann seinen eigenen Blick abwendet, bevor er sich mit dem Rücken zum Spiegel über dem Waschbecken auf die Toilette setzt und zeigt, dass er nicht in der Lage ist, sich seiner eigenen Untreue zu stellen wie zu ihm zurück reflektiert. Für einen Moment bewohnen beide Bilder unser Sichtfeld, bevor die Szene schwarz wird. Abbildung 4. Wahrheit und Wahrnehmung. Hier wird die trügerische Natur des Glases nun nicht nur für Don sichtbar, sondern auch für den Betrachter, dessen Fähigkeit, außerhalb der Szene zu stehen und das zu beobachten, was gleichzeitig dargestellt wird und was nicht, die Diskrepanz zwischen Realität und Reflexion hervorhebt und treibt die Notwendigkeit nach Hause, die Akzeptanz oberflächlicher Erscheinungen mit ehrlichen Einschätzungen von Kosten und Nutzen in Frage zu stellen.

Nur einen Moment später nimmt er seine Armbanduhr, um die Uhrzeit für Megan zu überprüfen, und stellt dann fest, dass die Uhr nicht funktioniert. Abbildung 5. Er hält sie an sein Ohr, prüft das Zifferblatt und gibt sie Megan, die darauf besteht, dass Don muss die Uhr nass gemacht haben.

Abbildung 6: Peter Claesz, Vanitas Stillleben 1630. Abbildung 7: Abbildung 8: Jan van Eyck, Lucca Madonna 1436. Die Bedeutung dieser Eröffnungssequenz dreht sich um eine Interpretation der gestoppten Uhr als Symbol des Todes. In Gemälden werden natürlich alle Uhren gestoppt und vom Künstler zu einem bestimmten Zeitpunkt für alle Zeiten eingefroren. Neben dem Glas befindet sich eine kunstvolle Taschenuhr, die offen ist und in deren Deckel sich ein Spiegel befindet, der das Nichts widerspiegelt, und dessen Hände in der Zeit gefroren sind.

Die Uhr, die in Verbindung mit dem Schädel und dem Glas betrachtet wird, kann als das Ende der Zeit angesehen werden, die der Dunkelheit vorausgeht, die Wahrheit, die wir vermeiden möchten, im Spiegel gesehen. Wenn die Uhr aufhört zu ticken, müssen wir uns auch versammeln, tut das Herz ihres Besitzers.

Die Eröffnungssequenz der Episode ist ein wunderschön komponiertes Stillleben, das durch die Anwesenheit der Filmkamera aktiviert wird. Im ersten Schuss wird ein Ei geknackt und zerbrochen, wobei das Eigelb in eine kleine Schüssel gegossen wird. Eine körperlose Hand greift dann nach einem Gericht, in dem eine Zitrone halbiert sitzt. Eine Hälfte wird weggenommen, in eine Stoffserviette gelegt und über das Eigelb gedrückt.

Im Hintergrund kann der Betrachter andere Schalen erkennen, die mit Croutons, Käse und Salat angehäuft sind - das Zeug zu einem Caesar-Salat. Abbildung 7.

Der Fokus liegt jedoch eindeutig auf dem Ei, einem symbolträchtigen Lebensmittel, das in Dutzende von Gemälden aus dem 17. Jahrhundert sowie in mehreren zukünftigen Episoden von Mad Men Eingang findet.

Eier gelten in vielen Kulturen und seit vielen Jahrtausenden als Symbol für Fruchtbarkeit, Fortpflanzung und Regeneration. Die christlichen Künstler der nördlichen Renaissance durchdrangen das Ei mit zusätzlichen Ebenen getarnter Symbolik, die in den Werken niederländischer Maler des 17. Jahrhunderts fortgeführt wurden. Innerhalb der christlichen Tradition wurde das Ei repräsentativ für die Auferstehung Christi Jesus, der von den Toten auferstanden war, als das Küken aus einem scheinbar trägen Gegenstand hervorging, sowie für die Inkarnation mit dem Ei, das den Leib Mariens darstellt, der mit dem Christkind imprägniert war.

In diesem Gemälde - sowie in anderen Bildern der Madonna von van Eyck, wie der Ince Hall Madonna - thront die Jungfrau Maria in einem häuslichen Innenraum und pflegt das neugeborene Christkind auf ihrem Schoß. Die Lichtstrahlen gehen wieder durch das intakte Glas, symbolisch für die ungestörte Jungfräulichkeit Mariens, um nicht nur die Madonna und das Kind zu beleuchten, sondern auch zwei Eier, die direkt auf der Fensterbank sitzen. Die Symbolik der Eier entspricht der der anderen in der Szene dargestellten Objekte, indem sie von der Idee sprechen, dass neues Leben geschaffen und in etwas Ungebrochenem und Intaktem enthalten wird.

Die Tatsache, dass es zwei Eier gibt, die die beiden auf dem Gemälde vorhandenen menschlichen Figuren widerspiegeln, legt nahe, dass van Eyck sich nicht nur auf die Menschwerdung Christi bezieht, sondern auch auf die Unbefleckte Empfängnis Mariens. Abbildung 9: Trotz ihrer Kämpfe mit der Spiritualität und der Einrichtung der katholischen Kirche erklärt sich Peggy bereit, für ihre Heimatgemeinde ehrenamtlich zu werben, und entwickelt in der Zwischenzeit eine freundschaftliche Beziehung zum jungen Pastor.

Im Dialog mit ihrer Familie erfährt der Pastor, Pater John, von dem unehelichen Kind, das Peggy geboren hat. Am Ende der Folge ist der dritte Sonntag - Ostersonntag - eingetroffen, und auf dem Kirchengelände findet eine Eiersuche statt. Die Osterinterpretation des Eies - als Zeichen des auferstandenen Christus - wird hier durch den anderen symbolischen Wert des Eies als Zeichen fruchtbarer Weiblichkeit und der Verbreitung des Familienlebens durch Neugeburt in den Schatten gestellt.

Das Verständnis des Eies als Symbol für Fruchtbarkeit und Familie mit heiligen Untertönen hilft dabei, ein noch häufiger gesehenes Bild zu verstehen, das in mehreren Episoden von Mad Men wiederholt wird:

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